1938 wurde im Rahmen der Neuorganisation des gesamten KZ-Systems (Konzentrationslager- Systems) im Norden der Oberpfalz das Konzentrationslager Flossenbürg errichtet. Das KZ war von Anfang an zur Ausbeutung von Zwangsarbeitern konzipiert – ein Lager zur »Vernichtung durch Arbeit«. Überlebende und Augenzeugen berichten in diesem Film über ihre Erlebnisse in Flossenbürg und auf dem Todesmarsch nach der Auflösung des Lagers im April 1945. Der Todesmarsch führte über Schwarzfenfeld, Neunburg vorm Wald, Neukirchen-Balbini bis nach Stamsried, wo am 23. April 1945 amerikanische Truppen die Häftlinge befreiten. Die Schwarzenfelder Produktionsfirma Snapshot war 2012 mit der Kamera bei einem Treffen der Überlebenden, die inzwischen auf der ganzen Welt verteilt leben, dabei. Martin Hecht, Erwin Farkas, Leslie Kleinman, Tibor Sands, Abraham Maisner und Nechemia Feder gehen darin die Stationen des Todesmarsches ab und erinnern sich an die Vergangenheit. Der Film feiert auf dem ZWICKL 2017 Weltpremiere. * Der Regisseur Michael Geyer kommt nach dem Film zum Gespräch vor die Leinwand. Originalsprache deutsch

Vorführungen

Freitag, 29. September 16:00
Samstag, 30. September 18:00*

Sonstiges

Der Film feiert auf dem ZWICKL 2017 Weltpremiere. * Der Regisseur Michael Geyer kommt nach dem Film zum Gespräch vor die Leinwand. Originalsprache deutsch

»Wenn Kinder nicht von klein auf lernen, dass die Menschen verschieden sind, wann dann?« Mit dieser Frage begleitet der Zuschauer Regisseurin Hella Wenders (die Nichte des bekannten Regisseurs Wim Wenders) über drei Jahre hinweg bei ihren Filmaufnahmen in der inklusiven Grundschule »Berg Fidel« in Münster. Dort gehören alle dazu, unabhängig von ihrer Herkunft, Religion oder Beeinträchtigung. Der hochintelligente David, sein Bruder Jakob, der am Down-Syndrom erkrankt ist, Anita, die Topmodel werden möchte, und Lucas, der Spezialist wenn es um Autos geht, werden in Wenders´ Film ganz besonders unter die Lupe genommen. Sie werden bei Diskussionsrunden begleitet, schlichten Streit in einem Gremium, helfen sich gegenseitig bei den Schulübungen und sprechen offen und selbstbewusst über ihre Schwächen und Stärken. So sagt David einmal: »Ich hab´ halt meine Nachteile am Körper, dafür bin ich in den anderen Dingen sehr gut«. Mit viel Witz und Charme erzählen die vier kleinen Protagonisten aus ihrem Schulalltag und sagen in ihrer unvergleichlichen Weise mehr Wahres, als so mancher Erwachsener. Berg Fidel ist ein Film über eine Schule, die nicht nur als Vorbild für andere Schulen, sondern auch als Vorbild für unsere Gesellschaft dienen sollte. Denn selten sieht man Menschen sich gegenseitig so selbstverständlich im Alltag und bei Problemen unterstützen, wie es die Kinder dieser Schule tun

Eine Familiengeschichte – normal, verrückt und außergewöhnlich zugleich. Ein Film über Exil und Heimat, über Eltern, Großeltern, Geschwister und all die anderen nahen und fernen Verwandten einer persischen Großfamilie, die teils nach Europa und Amerika emigriert, großteils aber im Iran geblieben ist. Allen Gefahren zum Trotz gibt es nach 20 Jahren ein geheimes Wiedersehen an einem für die iranische Obrigkeit unverdächtigen Ort: in Mekka. Man kommt aus Amerika, Schweden, Österreich und dem Iran angereist und es wird gelacht, gestritten, gekocht, gefeiert, es gibt übermäßig viele Umarmungen und Küsse, und doch ist es auch ein Aufeinanderprallen der muslimischen und der westlichen Gesellschaften. Ein herzerwärmender Film zum Mitlachen und Mitweinen.

Der Wecker klingelt und der zwanzigtausendste Tag im Leben von Nick Cave beginnt. Das Künstlerpaar Iain Forsyth und Jane Pollard porträtieren in ihrem Kino-Debüt einen Tag des australischen Multitalentes und Musikers Nick Cave. 20.000 days on Earth ist ein noch nie zuvor gesehener Mix aus Gedankenspektakeln, Unterhaltungen mit Kylie Minogue oder Blixa Bargeld und einer Reise in die menschliche Seele eines Künstlers. Dabei ist nie ganz klar, welche Szenen inszeniert und welche spontan aufgenommen wurden. Nick Cave wird bei seiner Arbeit an dem neuen Album mit seiner Band »Bad Seeds« gezeigt oder bei Auftritten und bei Gesprächen mit seinem vermeintlichen Psychoanalytiker, der ihm philosophische Fragen zu sich selbst stellt. Selten findet man eine dokumentarische Atmosphäre vor, sondern stets wirkt Cave in poetischen, coolen Bildern wie eine Erscheinung in traumhaften Sequenzen. Entstanden ist eine Hommage an sich selbst, ein Film, der für den Künstler und dessen Verteidigung der Kreativität per se steht. Nick Cave muss man einfach mögen, eigentlich führt kein Weg daran vorbei. Denn so narzisstisch-künstlerisch er denkt und ist, so verständnisvoll ist er auch für alle anderen Seelen dieser Welt. Ein Loblied auf die transformierte Macht der Kreativität.

Der Film beginnt mit dem Anruf einer Frau bei der Zentralstelle der dänischen Ambulanz. Unmittelbar wird der Zuschauer in die Situation einer panischen Frau gezogen, die um ihren am Boden liegenden 39-jährigen Mann Kristian bangt, der gerade auf dem Flur zusammengebrochen ist. In der nächsten Szene sieht man Kristian, der nach dem Schlaganfall aus der mehrmonatigen Rehabilitation das erste Mal wieder sein Haus betritt. Mette Line und Kristian trafen sich vor 12 Jahren, führten ein Leben voller Reisen und konzentrierten sich auf ihre Karrieren; bekamen zwei Töchter. Nun ist Kristian wieder zu Hause, stark verändert, denn eine Gehirnregion wurde irreversibel getroffen. Mette Line erkennt ihren Mann nicht wieder und nach dem anfänglich euphorischen Glauben »Wir schaffen das!«, tritt langsam die Frage auf, was von dem »Wir« noch bleibt, wenn einer nicht mehr da ist. Who we were begleitet die Familie das erste Jahr nach dem schicksalhaften Unfall und beleuchtet auf eindringliche Weise den Kampf um eine Liebe in bewegten Zeiten.

Vorführungen

Freitag, 29. September 20:15
Dienstag, 3. Oktober 15:00

In dem Film Embrace geht die Regisseurin Taryn Brumfitt auf die Suche nach außergewöhnlichen Frauen, die in einer langen Auseinandersetzung mit dem eigenen Körper gelernt haben, sich selbst zu lieben auch ohne den klassischen Schönheitsidealen zu entsprechen. Doch diesem Film geht eine persönliche Geschichte der Regisseurin Taryn voraus: Sie war eine normale Frau und Mutter, die nach ihrer Schwangerschaft wieder in Form kommen wollte. Das Training wurde exzessiver und endete in einem Schönheitswahn, der in der Teilnahme an einer Bodybuilder- Meisterschaft seinen Höhepunkt feierte. Taryns Fazit: Sie war trotz des perfekten Körpers immer noch nicht glücklich. Sie stellte sich die Frage, welches Köperbild sie ihrer Tochter durch dieses Verhalten wohl vermittle? Taryn riss das Segel um und konzentrierte sich wieder auf das Leben und darauf, dass der Körper kein reines Schmuckstück, sondern auch ein Instrument ist. Um diese Einstellung nach Außen zu tragen, veröffentlichte sie ein vorher/nachher Foto auf der Internet-Plattform Facebook mit den Worten »Liebe deinen Körper. Du hast nur den einen«. Neben einem Shitstorm, in dem öffentlich über ihren zu fetten Körper geschimpft wurde, bekam Taryn von Hunderttausenden Frauen und Männern auf der ganzen Welt Zuspruch und erlangte über Nacht Berühmtheit. Embrace erzählt neben Taryns Geschichte auch die vieler anderer Frauen, die fernab des Size-Zero-Klischees leben und denken. Ein längst überfälliger Film für alle Mädchen und Jungen, Frauen und Männer. Glauben Sie uns: Sie werden mit dem besten Körpergefühl aus dem Kinosaal gehen, das Sie seit Langem hatten!

Florian Burkhardt zieht als junger Mann aus beengten Schweizer Verhältnissen in die Welt hinaus und wird in den USA zum Topmodel. Dann Drogen und Absturz. Nach einem Zusammenbruch und dem Aufenthalt in einer psychiatrischen Anstalt wird er zum Partyveranstalter und lebt inzwischen zurückgezogen in der Schweiz. Mit Ende dreißig erzählt er in dem Film Electroboy von einem rastlosen Leben, in dem er sich immer wieder neu erfand. Dann kommen auch seine Eltern zu Wort und eine Ahnung von einer schrecklich eingeengten Kindheit die von religiösen Erziehungsformen bestimmt wurde, tut sich auf. Nach einem Autounfall, bei dem sein Bruder stirbt, bekommt Florian als Kind nur wenige Freiheiten von seinen Eltern. Er flüchtet in die Welt.

»Eine faszinierende Dokumentation über ein wundersames Leben zwischen Selbsterfindung und Selbstfindung.« – NZZ

Rund 700.000 Asylanträge gingen 2016 von den Entscheidern des Bundesamtes für Migration und Flüchtlinge (BAMF) ein. Und immer noch warten mehr als 400.000 Asylbewerber auf ihre Anhörung. Es ist der vorläufige Höhepunkt jeder Fluchtgeschichte, die mit Asyl in Deutschland enden soll: die Anhörung durch den Entscheider oder die Entscheiderin im Bundesamt für Migration und Flüchtlinge. Antragsteller und Entscheider sitzen sich nur ein einziges Mal gegenüber, oft mit Dolmetschern. Wer um Asyl bittet, muss hier glaubhaft machen, in seiner Heimat verfolgt worden zu sein. Der Ausgang entscheidet über die Chance auf ein neues Leben in Deutschland oder die Rückkehr in die Heimat. Die Mitarbeiter des BAMF haben als Werkzeuge für diese Entscheidung das Gesetz, ihren Verstand und den ihnen zugestandenen Ermessensspielraum. Der Zuschauer verfolgt in Auf dünnem Eis den Entscheidungsprozess von der Anhörung bis zum Bescheid und lernt dabei auch die Menschen kennen, deren Lebensweichen neu gestellt werden. Ein Film, der große Politik auf den Einzelfall herunterbricht und zeigt, was dies für die betroffenen Menschen aber auch die Entscheider bedeutet. Ein Film über Zwänge, Gerechtigkeit und die unmögliche Aufgabe, immer das Richtige zu tun.

Drei Verbrechen – Drei Strafen – Drei Konflikte. Drei Männer, die getötet haben, und drei Familien, die jemanden verloren haben. In der üblichen Vorstellung von Schuld und Strafe ergibt das drei, die bestraft werden, und drei, die vergessen sollen. Undenkbar, dass sich beide Seiten annähern. Der Film beobachtet dreimal das Unmögliche: Seinem Feind begegnen, in Gedanken, in Botschaften, im realen Leben, in Deutschland, in Norwegen und in den USA. Das Konzept der Restorative Justice geht davon aus, dass es hilfreich sei, die andere Seite zu verstehen, also zu erfahren, was den anderen bewogen hat, die Tat zu begehen. Oft wird angenommen, dass eine tatsächliche Begegnung zwischen den beteiligten Menschen machbar und hilfreich sei. Der Film untersucht das in seinen drei Fällen sehr genau. Geleitet von der Frage, ob der Schmerz über den Verlust tatsächlich geringer wird, wenn man nicht auf Vergeltung und Strafe hofft, betritt der Film Neuland. Beyond Punishment ist ein Dokument von Unglaublichem und ein Film, der unsere Vorstellung von Schuld und Strafe unweigerlich in Frage stellt.

Wie sollen und dürfen Kinder mit dem Nachlass ihrer Mutter umgehen? Thomas Haemmerli erreicht die Nachricht vom Tod seiner Mutter an seinem vierzigsten Geburtstag. Der nächste Schock ist die komplett vermüllte Wohnung der Verstorbenen, die offensichtlich über Jahrzehnte eine Unmenge an gebrauchten und wertlosen Dingen angesammelt hat. Was folgt, ist eine der furiosesten Aufräumaktionen in der Geschichte des Familienfilms. Einen Monat lang räumen Thomas und sein Bruder Erik den Nachlass ihrer Mutter auf und legen unter all dem Müll ihre eigene Familiengeschichte frei. Aus alten Super-8-Aufnahmen entsteht eine kuriose Familiensaga, in der Baronessen und Grafen, Schürzenjäger und Festnudeln sowie der junge Kofi Annan eine Rolle spielen. Schonungsloser als sie es sich vielleicht gewünscht hätte, erzählt Haemmerli die Lebensgeschichte seiner Mutter und beantwortet damit die Frage, was die Eltern den Kindern, vor allem wenn sie Filmemacher sind, hinterlassen sollten, auf eine sehr humorvolle und ironische Weise – nämlich besser nichts.

»Der Film ist pietätfrei, schamlos und indiskret. Politisch korrekt sind die Haemmerlis höchstens aus Versehen. So halten sie sich den bestialischen Leichengestank vom Leib, indem sie ihn filmisch verulken. Es ist ein böser, manchmal rasend komischer Film.« 3Sat

Vorführungen
Samstag, 30. September 18:30
Sonntag, 1. Oktober 11:00

Fahr ma obi am Wasser zeigt, was Dokumentarfilm alles kann: nämlich ein unprominentes Thema in der Tiefe unterhaltsam auszuleuchten und so für jeden zugänglich werden zu lassen. Wer weiß schon was übers Flößen? Kaum einer, der nicht direkt dort aufgewachsen ist, wo es betrieben wurde. Entlang den Quellen der Loisach und der Isar vom Hinterautal bei Scharnitz über Wolfratshausen bis nach München. Höchst interessant ist es allemal, denn das Flößen ist eigentlich ein urbayerisches Thema und gehört zu unserem Kulturgut. So wird im Verlauf des Films deutlich, welch große Bedeutung die Flößer seit dem frühen Mittelalter für Oberbayern, München und für die anderen Städte an der Isar hatten. Nachfahren von alteingesessenen Flößerfamilien, sowie die letzten noch tätigen Flößer, aber auch Handwerker, Historiker, Musiker und Archivare kommen zu Wort und zeichnen ein lebendiges Bild vergangener Zeiten. In bisher nicht gesehenen Archivaufnahmen aus den 1920er und 1930er Jahren zeigt der Film auch die harte Arbeit der Holzknechte in den Wäldern des bayerischen Oberlandes und den Holztransport im Sommer und im Winter zu den Flüssen, von wo aus die Stämme verflößt wurden. Es war eine höchst gefährliche Arbeit in den meist steilen Berghängen, voller Entbehrungen, bei der es jedes Jahr viele Unfälle mit Verletzten und auch Toten gab.

»Dieser Film ist nicht nur geschichtlich interessierten Oberbayern zu empfehlen. Denn er führt exemplarisch vor, dass regionale Geschichte viel zu bunt und vielfältig ist, um in Archiven zu verstauben.« kino-zeit.de

Vorführungen

Samstag, 30. September 19:45*
Dienstag, 3. Oktober 11:00 (Weißwurstfrühstück)

Sonstiges
* Der Regisseur Walter Steffen kommt nach dem Film zum Gespräch vor die Leinwand.

Die Geschichte von Saif ist die Geschichte eine jesidischen Flüchtlings, der seit 2016 in Schwandorf lebt. Der 23-Jährige flüchtete aus seinem Heimatland Irak, weil er zu den Jesiden gehört, einer religiösen Minderheit von mehreren Hunderttausend Angehörigen, die als »Ungläubige« in ihren Heimatländern verfolgt werden. Saif floh 2014 und lernte auf seiner Flucht in der Türkei den Filmemacher Mikael Baudu kennen. Dieser begleitete ihn in der Folge bis nach Deutschland. Sieht man den Weg, den Saif und seine Begleiter zurück gelegt haben, wird einem bewusst, wie unmöglich es ist, über eine Flucht zu urteilen. Die meisten von uns kennen Fernsehausschnitte oder Zeitungsberichte über die Massenflucht aus dem Nahen Osten, aber sind vielleicht noch nicht richtig eingetaucht in die Skurillität einer Armut, während außenrum westlicher Lebensstandart herrscht. Regisseur Baudu ist mit Open the border ein leises Zeitdokument einer lauten Katastrophe gelungen, die nicht nach einem Urteil schreit, sondern uns wieder bewusst macht, in welch privilegiertem Land wir leben.

Vorführungen

Samstag, 30. September 20:15*
Sonntag, 1. Oktober 18:30*

Sonstiges

* Der französische Regisseur Mikael Baudu kommt nach dem Film zum Gespräch vor die Leinwand.

Denkt man an Europa, so hat man Machtzentren wie Brüssel, Berlin oder Paris vor Augen. Denkt man an Europa und die EU, dann im ersten Moment an ein Bündnis, das ursächlich und vermeintlich zur Förderung der Wirtschaft, der Verständigkeit, Toleranz und Stärke unseres Kontinents gegründet wurde. Der Schweizer Regisseur Jan Gassman versucht in Europe she loves eben jenes Bild von Europa zu weiten und begibt sich an seinen vom Wandel geprägten Rand. Nämlich nach Spanien, Griechenland, England und Estland. Siobhan und Terry wollen in Dublin ihren Drogenproblemen entkommen, in Tallinn hofft Veronika, dass sich ihr Partner Harri besser mit ihrem Sohn Artur versteht, die junge Penny will Thessaloniki und ihren älteren Freund Niko verlassen, um in Italien zu arbeiten, und Juan und Caro in Sevilla, sich von einem Nebenjob zum nächsten hangelnd und frisch verliebt, denken kaum an die Zukunft. Ramon Giger gelingt es mit seiner Kameraführung eine eindrucksvolle Nähe zu den Protagonisten aufzubauen, die uns in Momenten von exzessiver Party, Streit und Liebe, bis hin zum Sex teilhaben lässt und uns in nur wenigen Bildern deren Lebensumstände in episodischen Bildern darstellt. Auf engstem Raum bohrt sich der Blick der Kamera in die Seelenwelten von vier jungen Paaren und deren Beziehungen, die von wirtschaftlichen und sozialen Krisen ihrer Heimatländer geprägt sind.

Mixed Martial Arts, kurz MMA, wird diese Sportart genannt, welche in der Dokumentation Fighter von Susanne Binninger aus dem Jahr 2016 be- und hinterleuchtet wird. Zwei Männer, die sich gegenseitig scheinbar ohne Regeln bekämpfen und damit die Massen belustigen. Nur auf den ersten Blick ist MMA ein Schein-Sport, der von wilden, regellosen und brutalen Prügeleien im Käfig begleitet wird. Der Film Fighter blickt hinter die Kulissen und zeigt, dass MMA mehr ist: hier sind verschiedene Kampfsportarten vereinigt und die Kämpfe klar reglementiert. Andreas Kraniotakes, Khalid Taha und Lom Ali Eskijew werden in ihrem Alltag und auf dem Weg zur professionellen Karriere in Deutschland begleitet. Ernährung und hartes Training bestimmen ihr Leben, denn sie alle wollen gewinnen. Dabei beleuchtet die Regisseurin auch die privaten Beweggründe und Geschichten der jungen Männer. Fighter ist eine schlagkräftige Dokumentation über Menschen, die zwischen einer scheinbaren Parallelwelt und der realen Welt hin und her pendeln und dabei mit Vorurteilen zu kämpfen haben während sie sich sowohl geistigen, als auch körperlichen Extremsituationen aussetzen.

Irgendwo in den unendlichen Weiten der Wüste Gobi leben fernab der Zivilisation vier Generationen der Familie Amgaa. Die Viehzüchter sind Nomaden, die auf ursprüngliche Art und Weise in Jurten leben und durch ihr Leben und Arbeiten tief mit der Natur und deren Gegebenheiten verbunden
sind. Als im Frühjahr die ersten Kamelfohlen geboren werden, werden diese mit geschmückten Halftern freudig empfangen. Eine Kamelstute verstößt ihr weißes Junges jedoch nach einer schweren Geburt. Als die Mutter auch nach langem Zutun der Familie ihr Junges noch immer nicht annimmt, sehen die Hirten nur noch eine Möglichkeit, um das Fohlen vor dem sicheren Tod zu bewahren. Die beiden Söhne werden losgeschickt, um in der nächsten Siedlung einen Geigenspieler zu finden, der durch ein altes musikalisches Ritual die Kamelmutter zum Weinen bringen soll. Nur so kann der Legende nach die Liebe zu ihrem Fohlen wieder geweckt werden. Mit ihrem Abschlussfilm der Filmhochschule München haben die Mongolin Bayambasuren
und der Italiener Luigi Fatorni einen wunderbar poetischen Dokumentarfilm
geschaffen, der auf eine ruhige, unaufdringliche Art den Zuschauer in die
einfache und entschleunigte Welt der mongolischen Hirtennomaden eintauchen lässt, die sich zwar dem Wandel der Zeit nicht entziehen
kann, in der es aber immer noch Platz für Wunder und Märchen gibt.

Wann, wenn nicht zu unserem Themenblock 2017, könnte das ZWICKL eine filmische Langzeitbeobachtung, die drei Stunden dauert, zeigen? Schließlich geht es hier um das Leben, das in Bewegung ist und die Frage, was nach dem Vergehen der Zeit so alles übrig bleibt. Der Film beginnt 2004, als die Anderlfabrik, ein Textilunternehmen im niederösterreichischen Waldviertel, sich kurz vor der Schließung befindet. Einst gab es hier 200 Mitarbeiter, nun erscheint die Fabrik mit den alten Maschinen mehr wie ein Museum mit seinen nur noch wenig gebliebenen Mitarbeitern. Doch Über die Jahre endet nicht nach der Schließung, sondern beginnt hier erst. Der Film begleitet sechs Schicksale der nun arbeitslosen Mitarbeiter über weitere zehn Jahre hinweg. Erst 2014 beendet Regisseur Nikolaus Geyrhalter seine Dreharbeiten. Aus dieser Langzeitbeobachtung ist ein dreistündiger Dokumentarfilm geworden, der das äußerliche Altern der Protagonisten genauso zeigt, wie die inneren Gänge des Lebens. Doch nicht spektakulär aufbereitet ist dieser Film, sondern so wie das Leben selbst: Mal passiert viel, mal wenig und manchmal gar nichts. Oder wie es die Duisburger Filmwoche in ihrer Jurybegründung beschreibt: »Über die Jahre bilanziert auf respektvoll-zugewandte Weise einen Posten, der in den kühlen Kalkulationen der Profitmaximierung ›Humankapital‹ heißt – er porträtiert Menschen, die sich nie in den Vordergrund stellen würden, und er bringt Leute zum Reden, die nicht wissen, was an ihren Routinen interessant sein sollte.«

Vorführungen

Sonntag, 1. Oktober 15:00
Dienstag, 3. Oktober 12:15

In Rad der Zeit begibt sich Werner Herzog zum buddhistischenRitual der Kalachakra Initiation nach Bodh Gaya (Indien). Hier meditieren über 500.000 Pilger aus Nepal, Indien und Tibet unter dem Vorsitz des Dalai Lama. Grund für die vielen Pilger sich hier einzufinden, ist das Kalachakra Ritual, was »Rad der Zeit« bedeutet. Das in mehreren Tagen von Mönchen angefertigte Sand-Mandala soll den nach Erleuchtung strebenden Geist visualisieren. Werner Herzog nimmt hier aber keine klassische Dokumentation des Rituals oder der Religion vor, sondern lässt sich treiben und taucht tief in die Spiritualität dieser Menschen ein. Er filmt die unglaubliche Pilgerreise zum Kailash, bei der manche Pilger Jahre harten Weges auf sich nehmen. Im Gespräch mit dem Dalai Lama erfahren wir so einiges über uns und das Universum und am Ende bleibt ein Staunen über eine uns scheinbar immer noch an einigen Flecken unbekannte Welt, die ein anderes Ermessen von »Zeit« hat, als wir. Mit der für Herzog typischen »Aufbereitung der Wirklichkeit« im Kommentar und dieser ungewöhnlichen körperlichen Nähe der Kamera zu den Menschen wird das Unsichtbare sichtbar gemacht. Die Bewegung kommt hier nicht auf den ersten Blick zum Vorschein, sondern vielmehr ist sie versteckt zu finden: durch den Regisseur, der sich treiben lässt und filmt, was ihn gerade interessiert, durch die Pilger, die »die Welt mit ihren Körpern vermessen«, und am Ende natürlich auch durch die Weltanschauung des Buddhismus, die sich immer schon der Spiritualität des Fließenden widmete.

Vorführungen
Sonntag, 1. Oktober 16:00
Montag, 2. Oktober 18:30

Winona LaDuke ist die Tochter einer jüdischen Malerin und eines indianischen Stuntman, der in einigen Hollywood-Western zu sehen war. Mit Ende vierzig ist sie eine wahre Power-Frau und verkörpert das, was wir unter einer modernen und emanzipierten Frau verstehen. Winona studierte in Harvard Ökonomie, sprach mit nur 17 Jahren vor der UNO in Genf und lebt heute in Anishinaabeg in dem Heimatreservat ihres Vaters im Bundesstaat Minnesota. Ihr Name bedeutet übersetzt »Die Donnervogelfrau «. Der gleichnamige Dokumentarfilm des Regisseurs Bertram Verhaag, der mit Schwandorf durch den Film Spaltprozesse über die Wiederaufarbeitungsanlage Wackersdorf verbunden ist (der Film wurde 2015 auf dem ZWICKL gezeigt), zeigt was ein Mensch in seinem Leben alles leisten kann. Winona war die erste Ureinwohnerin, die in den Vorstand von Greenpeace gewählt wurde, das Magazin TIME zählte sie in den Neunziger Jahren zu den 50 Führungspersönlichkeiten unter 40 Jahren, auf die man am meisten hoffen könne. Sie ist Autorin zahlreicher Bücher, Mutter von drei Kindern, die erste Mutter, die stillend einen Wahlkampf durchführte, Inhaberin eines Wildreis-Unternehmens, sie kämpft gegen Uranabbau und Genmanipulation und engagiert sich im Kampf um Reservatland. Die Liste ist schier unendlich und beobachtet man Winona in ihrem Alltag, staunen die Augen und der Mund geht nicht mehr zu. Wir haben nur ein Leben, um für unsere Prinzipien zu kämpfen!

Vorführungen
Sonntag, 1. Oktober 18:30
Dienstag, 3. Oktober 18:00

Es ist Mitte der 1970er und die 63-Jährige Maria Stadler führt im fränkischen Bad Endorf ihr kleines Kino. Trotz einbrechender Zuschauerzahlen durch große Kinos in den Städten und mehreren Zehntausend Mark Schulden gibt sie nicht auf. Sie verteilt Plakate, holt die 35mm-Rollen vom Bahnhof ab, reißt Tickets ab und führt die Filmvorführungen durch. Sogar für neue Wege ist sie offen: Sie lässt auf der Bühne im Kinosaal Pop-Gruppen auftreten und Kasperle-Theater stattfinden. Ob’s stürmt oder schneit ist ein behutsames Porträt über eine bescheidene Frau und gleichzeitig eine Reise in eine Epoche des Dokumentarfilms, als dieser noch nicht von der Suche nach »der ganz großen Story« geprägt war. Doris Dörries Debütfilm nach ihrem Studium an der Hochschule für Film und Fernsehen München läuft 1976 gleich auf der Duisburger Filmwoche und ist heute ein Artefakt der Filmkunst von Deutschlands wohl talentiertester weiblichen Regisseurin.

Vorführungen
Dienstag, 3. Oktober 16:00*

*Nach dem Film ist der heutige Geschäftsführer der Betreibergesellschaft von Marias Kino aus Bad Endorf, Jürgen Bach vor der Leinwand zu Gast.

Filmvorschlag: Frederik

Text: Anne

Aus einer 12-monatigen Reise durch 66 Kinos entsteht ein von persönlichen Begegnungen und Erfahrungen geprägter dokumentarischer Essay, der den Status quo der deutschen Kinokultur beschreibt und über den Stellenwert des Kinos als gesellschaftlichem Ort heute und in der Zukunft nachdenkt. Regisseur Philipp Hartmann porträtiert in seinem gleichnamigen Dokumentarfilm 66 Kinos in Deutschland mit ihren jeweiligen Architekturen und alltäglichen Arbeitsabläufen, sowie die Menschen, die hinter diesen Kinos stehen. Es entsteht ein Panorama der deutschen Kinolandschaft in ihrer ganzen Bandbreite – zwischen Filmclubs, kommunalen Kinos, Programmkinos und Multiplex-Palästen (darunter auch das Regensburger Andreasstadel).

Vorführungen
Dienstag, 3. Oktober 18:00*

Sonstiges
* Der Regisseur Philipp Hartmann kommt nach dem Film zum Gespräch vor die Leinwand.

Vorführungen
Dienstag, 3. Oktober 20:15

Die digitale Revolution ist allgegenwärtig und inzwischen auch selbstverständlich! Das Kino musste sich diesem technologischen Fortschritt erst relativ spät vor einigen Jahren mehr und mehr beugen. Heute wird in Kinos fast ausschließlich von digitalen Medien abgespielt und auch Filmemacher produzieren ihre Filme nicht mehr analog, sondern in HD (HighDefinition). Doch wie wird in Zukunft angesichts der sich ständig verändernden digitalen Medien, Filmmaterial für die Nachwelt gespeichert werden und wo? Wer wählt die Wichtigkeit der zu speichernden Aufnahmen aus? Wer sagt, was bleiben darf und was gelöscht werden soll? In Zusammenarbeit mit dem österreichischen Filmmuseum erkundet der österreichische Regisseur Michael Palm in Cinema Futures internationale Schauplätze und geht mit namhaften Filmschaffenden wie Martin Scorsese und Christopher Nolan, sowie Museumskuratoren, Historikern und Technikern über die Zukunft des Kinos in Diskurs. Oftmals werden diese Gespräche nicht mehr nur zu Sinnbildern der Institution »Kino« und der Kunstform »Film«, sondern zu einer Metapher für unsere gesamte Datenspeicherung im Hinblick auf die Zukunft. Denn digitale Speichermedien sind nur vermeintlich sicherer, als es die analogen waren. Was ist, wenn kulturelle Medien, wie der Film als Speichermedium und das Kino als kulturelle Institution überholt werden – verlieren wir dann unser kollektives kulturelles Gedächtnis? Was, wenn all das kulturelle Erbe in verschlüsselten Daten in Servern unter der Erde liegt – wer wird am Ende darauf noch Zugriff haben?MIc